內容簡介
《五彩·鬥彩》為“故宮博物院藏文物珍品大係”之一。學者專傢們,無論是專門研究中國的文化曆史,還是從事於東、西方文化的對比研究,也都希望從故宮的藏晶中發掘資料,以探索人類文明發展的奧秘。因此,我們決定與香港商務印書館、上海科學技術齣版社共同努力,閤作齣版一套全麵係統地反映故宮文物收藏的大型圖冊。
要想無一遺漏將近百萬件文物全都齣版,我想在近數十年內是不可能的。因此我們在考慮到社會需要的同時,不能不采取精選的辦法,百裏挑一,將那些最具典型和代錶性的文物集中起來,約有一萬二韆餘件,分成六十捲齣版,故名《故宮博物院藏文物珍品大係》。
內頁插圖
目錄
總序
文物目錄
導言
圖版
五彩
鬥彩
精彩書摘
隻用單一方法施彩的鬥彩器較少。成化鬥彩捲草紋瓶通體僅用一種淡綠色填繪迂麯蔓捲的蔓草紋,格外清雅(圖160)。康熙鬥彩八吉祥雲龍紋蓋罐在青花龍體上覆蓋光亮的綠彩,素雅傳神(圖190)。
明清二朝以白地鬥彩居多,至清後期纔齣現色地鬥彩。以彩色地烘托鬥彩紋飾,往往艷麗嬌冶有餘,清雅韻味不足。其裝飾方法既有傳統式,即無論主紋、輔紋都用傳統施彩方法錶現,也有新的以鬥彩與粉彩或以鬥彩與紅彩、鬥彩與釉裏紅結閤使用的綜閤裝飾法。單純的傳統式鬥彩是明清兩代鬥彩裝飾的主流,綜閤性裝飾方法則隻流行於清代。如康熙鬥彩龍鳳紋蓋罐(圖208)、雍正鬥彩花卉紋梅瓶(圖225)、乾隆藍地鬥彩荷蓮紋綉墩(圖259)等均為代錶性作品。
鬥彩的發展曆史
(一)始盛期的鬥彩(明宣德、成化)
在本世紀80年代之前,鬥彩始燒於明成化年間似成定論。1988年11月景德鎮明禦窯廠遺址發掘齣土“大明宣德年製”款鬥彩鴛鴦蓮紋盤和成化早期仿宣德鬥彩鴛鴦蓮紋盤等典型器物,從而確立瞭鬥彩始於明宣德之新說。
鬥彩雖始燒於宣德時,但隻是初露芳容,製品極少,彩飾工藝也未臻成熟。因為永樂、宣德時期“以眼甜白為常,以蘇麻離青為飾,以鮮紅為寶”,即以白釉、青花、紅釉為主,顯然鬥彩未得皇室青睞,宮廷收藏中無所見。
及至成化年間,宮廷奢侈之風極盛,瓷器需要量很大,刺激瞭作為宮廷玩賞器的鬥彩瓷的發展。《明史·食貨誌》載:“成化間遣中官之浮梁(2)景德鎮,燒造禦用瓷器,最多且久,費不貲。”成化早期鬥彩製品主要模仿宣德。但自成化十七年至二十三年(1481一1487),鬥彩進入輝煌階段,在胎質、色釉、造型、繪畫、色彩諸方麵都迥然高齣宣德鬥彩,受到舉世推崇。
成化鬥彩的造型皆小巧,無大器。從現有故宮的藏品看,最高的瓶僅高19厘米,最大的碗徑約23厘米,最大的盤徑約18厘米,高足杯高約7.6厘米,罐高一般在8-13厘米。無論何種器,其器型都具有圓潤端莊、清雅雋秀的特色。仔細觀察,可以發現其造型的輪廓綫都是由一種柔韌的直中隱麯、麯中顯直的綫條構成,因而風貌殊異。
由於成化瓷中的鐵、鈣含量下降,成化鬥彩的胎質潔白細膩,薄輕透體。這種胎釉特質標誌著成化官窯對胎釉原料的控成技術更勝明朝前期。而采用中性火焰燒窯,使釉色乳白柔和,更能襯托鬥彩的鮮麗清雅。
……
前言/序言
《墨韻韆鞦:中國古代文人畫的意境與傳承》 書籍簡介 《墨韻韆鞦:中國古代文人畫的意境與傳承》並非一本關於陶瓷藝術或色彩理論的著作,而是深入探究中國傳統文人畫發展脈絡、哲學思想及其藝術實踐的專業學術專著。本書旨在全麵梳理自魏晉至清末近兩韆年的文人畫發展曆程,重點剖析文人畫區彆於院體畫的獨特精神內核——“寫意”與“以書入畫”的藝術追求。 本書共分五大部分,結構嚴謹,內容詳實,力求展現文人畫從萌芽、確立到鼎盛,直至融入現代藝術語境的復雜演變過程。 --- 第一部分:文人畫的哲學根基與曆史源流 (約300字) 本部分追溯文人畫的文化溯源。首先探討瞭魏晉時期士大夫階層在政治動蕩中,將藝術視為寄托高潔情操的載體,並引齣瞭“逸品”概念的誕生,奠定瞭文人畫“不求形似,但求神似”的審美取嚮。重點分析瞭“竹”和“石”作為早期文人畫典型母題的文化象徵意義,揭示瞭儒釋道三傢思想如何滲透到畫傢創作的內心世界,影響其對自然與自我的認知。 隨後,詳細梳理瞭唐代對繪畫的“匠人化”傾嚮與文人畫的初步反抗,指齣唐代張璪“外師造化,中得心源”的論述,標誌著文人畫理論的初步形成。本部分不僅梳理瞭曆史脈絡,更側重於構建理解文人畫的哲學框架,即藝術如何成為士大夫安頓精神世界的場所。 第二部分:宋代山水畫的轉嚮與“士氣”的凸顯 (約350字) 宋代是中國繪畫史上的重要轉摺點,本書在此部分集中探討瞭院體畫的繁榮與文人畫的悄然崛起。針對北宋範寬、郭熙等巨匠的成就,本書采取對比分析的手法,先論述瞭官方畫院在技術上的精湛,隨後聚焦於蘇軾、米芾父子對“尚意”的提倡。 蘇軾提齣的“論畫以形似,見與鄙夫俗子”的觀點被視為文人畫理論的裏程碑。本書詳細解析瞭“筆墨趣味”的內涵,探討瞭如何將書法中的綫條力度、節奏感和結構美感,成功地轉化為繪畫語言。米芾的“米點皴”作為一種高度主觀化的繪畫技法,被視為打破傳統程式束縛的典範。本章通過具體作品分析,展示瞭宋代文人如何從描摹自然轉嚮在筆墨間抒發個人胸襟與學識。 第三部分:元四傢:文人畫的黃金時代與風格定型 (約400字) 元代,由於政治格局的劇變,大批士人退隱山林,文人畫真正迎來瞭全盛時期,形成瞭以“元四傢”(黃公望、倪瓚、吳鎮、王濛)為代錶的風格體係。 本書用大量篇幅來區分四傢的藝術傾嚮:黃公望的渾厚蘊藉、倪瓚的極簡與孤傲、吳鎮的野逸與墨趣,以及王濛的繁密細緻與象徵意義。研究聚焦於他們如何運用“書法入畫”的技法來錶達對元朝統治者的疏離和對前朝傳統的追懷。 特彆值得一提的是,本部分深入分析瞭倪瓚的“空白”美學,探討其看似荒率的筆觸背後,所蘊含的對純粹精神世界的執著。同時,本書也引入瞭元代文人圈中的“雅集”現象,說明繪畫交流如何成為他們維護文化身份的重要儀式。文人畫的審美範式在此時徹底確立,即繪畫不再是職業,而是文人修養的體現。 第四部分:明清的流變與文人精神的延續與衝突 (約350字) 明清時期,文人畫的格局更為復雜化。本書首先考察瞭明代吳門畫派(如瀋周、文徵明)如何將元代風格程式化、學院化,導緻部分作品齣現“蹈襲前人”的傾嚮。 隨後,重點分析瞭董其昌的“南北宗論”,這一理論在明末的傳播,對後世産生瞭深遠影響,它不僅是對曆史的梳理,更是一種精神上的分野——以“墨戲”為代錶的內派(文人)與以外來技法為重的外派(院體/匠人)的對立。 清代“四王”對元明經典的係統性臨摹,標誌著文人畫進入瞭對“筆墨精微”的極緻探索階段,但也引發瞭“格法”與“性靈”之間的爭論。本書批判性地探討瞭清代晚期文人畫在麵對西方文化衝擊時所錶現齣的固守與掙紮,以及對傳統筆墨語言的最後一次高峰式整閤。 第五部分:筆墨的語言學意義與藝術傳承 (約100字) 總結部分,本書迴歸到文人畫的核心——筆墨語言學。探討瞭文人畫如何通過水墨的暈染變化,實現對“氣韻生動”的追求,並強調瞭“詩書畫印”四位一體的綜閤藝術特徵。 最後,本書簡要概述瞭文人畫的審美觀念對近現代中國畫改革的影響,說明這種強調主體精神錶達的傳統,為現代藝術的探索提供瞭堅實的文化土壤。全書以嚴謹的文獻考證和細緻的圖像分析相結閤,構建瞭一部關於中國文人精神與水墨藝術的深度對話錄。 --- 目標讀者:藝術史學者、中國繪畫研究人員、對中國傳統文化及哲學有濃厚興趣的普通讀者。 核心價值:本書不是一本技法入門手冊,而是一部探討藝術如何承載文人士大夫階層精神信仰與文化身份的學術專著。
坦白說,一開始我是衝著它在圈子裏的熱度纔開始看的,沒想到讀進去之後,完全被故事的宏大構架和精巧設計所摺服。它構建的世界觀非常獨特且自洽,各種設定既有古典的韻味,又充滿瞭超乎想象的創新。閱讀的過程就像是跟隨一個經驗豐富的嚮導,逐步探索一個隱藏已久的秘密花園,每揭開一層迷霧,都能發現新的驚喜和更深層次的關聯。作者的敘事功力極其老道,即便是處理復雜的時間綫和多綫敘事,也能處理得井井有條,邏輯嚴密得令人拍案叫絕。更難得的是,在如此龐大的體係下,作者依然能保持文字的精準和力度,沒有陷入堆砌辭藻的窠臼。對於喜歡深度、喜歡探索邏輯謎團的讀者來說,這本書簡直就是一場酣暢淋灕的智力冒險,讀起來酣暢淋灕,大呼過癮。