具体描述
●致读者
●教导未来艺术家和艺术爱好者的新方法（1934年）
●涂写本（约1934年）
●速记本（约1934年）
●十人画展：惠特尼的反对派（1938年）
●比较研究（约1941年）
●理想的教师（约1941年）
●本土性（约1941年）
●创造性冲动的满足（约1941年）
●一封信的手稿：罗斯科与阿道夫·戈特利布致编辑（1943年）
●罗斯科与阿道夫·戈特利布致编辑的一封信（1943年）
●罗斯科与阿道夫·戈特利布：肖像画和现代艺术家（1943年10月13日）
●关于《鹰的预兆》的解释（1943年）
●简单的自传（约1945年）
●给艾米莉·格瑙尔的信（1945年）
●“我忠于事物的真实性”（1945年）
●个人宣言（1945年）
●给编辑的信（1945年7月8日）
●给巴内特·纽曼的信（1945年7月31日）
●部分目录
内容简介
在马克·罗斯科，这位20世纪有名的抽象表现主义绘画大师的身上，有着众多令后人“误解”与“不了解”的地方：他所描述的“黄金时代”究竟如何？他如何度过漫长的孤独与贫困？他的艺术道路与艺术观念是如何形成的？他与亲人朋友的关系如何？他为何反感被视为抽象表现主义艺术家？他为何以割腕的方式离开世界……由马克·罗斯科著，米格尔·洛佩兹·莱米罗整理的《艺术何为(马克·罗斯科的艺术随笔1934-1969)(精)》将以罗斯科那充满灵动、哲思的文字，回答这些问题，解开这些误解。 (美)马克·罗斯科(Mark Rothko) 著；(西)米格尔·洛佩兹·莱米罗(Miguel Lopez-Remiro) 整理；艾蕾尔 译 马克·罗斯科，1903年生于俄国，1913年随家人移居美国，1970年逝于纽约工作室。他是20世纪很伟大的艺术家之一，同时也是美国抽象表现主义运动的代表人物。纽约现代艺术博物馆、美国国家艺术博物馆、古根海姆美术馆等世界重量级美术馆均为其举办过大型回顾展。他终生坚持写作，主要著作有《艺术家的真实：马克·罗斯科的艺术哲学》《艺术何为：马克·罗斯科的艺术随笔》等。米格尔·洛佩兹·莱米罗，独立学者，现居西班牙。
艾蕾尔，清华大学美术学院博士、艺术批评家、策展人。主要著作有《灵性之维：圣水墨研究》（上海三联书店），译有《艺术何为：马克·罗斯科的艺术随笔》《弗兰西斯·培根访谈录：在具象与等 导 言
今天，马克·罗斯科（1903—1970）被视为20世纪具影响力、重要的艺术家之一。在他死后的三十六年里，艺术界与出版界从未消减过对其作品的关注度。1998年，华盛顿美国国家艺术博物馆与惠特尼美术馆为他举办的大型回顾展令其众多艺术追随者精神振奋。然而，作为20世纪富争议的、展览次数多的艺术家之一，罗斯科所撰写的文章却未得到相应研究。直至20世纪末，现有关于其写作的出版物，仅有马克·罗斯科基金会的会长邦妮·克里尔沃特（Bonnie Clearwater）所编辑出版的12篇文章。甚至，这12篇文章的读者仅限于罗斯科的研究者。
罗斯科的同时代人，譬如罗伯特·马瑟韦尔、巴内特·纽曼、莱因哈特，他们同为纽约画派的成员，且同样进行着著作颇丰的写作。乖谬之处在于，与他们相比，罗斯科所撰写的大量文章却未曾面世。这加深了一个误解，即罗斯科一生所撰写的文章与等
用户评价
我原本以为这会是一本晦涩难懂的理论大部头，毕竟涉及“哲学”和“思辨”的字眼总是让人有些望而却步。然而，实际阅读体验却出乎意料地流畅。作者的叙事节奏掌握得非常精妙，他擅长用一种近乎讲故事的方式来铺陈复杂的概念，使得那些原本深藏于象牙塔中的思想，变得触手可及。举例来说，在讨论到“观看行为”的本质时，他没有直接抛出长串的定义，而是通过描绘一个极其日常的场景——一个人凝视窗外雨景的瞬间——来引导读者自行体会那种介于主体与客体之间的微妙张力。这种“润物细无声”的教学方法，极大地降低了读者的进入门槛，让即便是初次接触相关议题的人也能轻松跟上思路。而且，行文中穿插的那些恰到好处的个人反思和幽默的自嘲，使得整本书的基调变得十分亲切，不再是冷冰冰的学术论述，更像是一位智者在与你进行一场酣畅淋漓的深夜对谈。
这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那厚实的封面，配上那略带磨砂质感的纸张，握在手里沉甸甸的，仿佛捧着一块温润的玉石，而非寻常的印刷品。内页的排版也极为考究，留白处理得恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又在视觉上营造出一种宁静而开阔的氛围。那些插图的印刷质量更是没得说，色彩的还原度极高，即便是最微妙的色调过渡也能被细腻地捕捉下来，让人忍不住想伸手去触摸那些画面的纹理。尤其是扉页上那句引文的字体选择，那种带着手写体特有的韵味，一下子就把人从日常的喧嚣中抽离出来，准备进入一个精心构建的审美世界。光是翻阅这本书的过程，本身就是一种享受，它体现了出版方对“物”的尊重，对阅读体验的极致追求。这种对细节的执着，让人对接下来翻开的内容充满了期待，相信作者和编辑团队在内容上也必然倾注了同等的匠心。整个初印象，是高级且沉稳的，让人愿意花时间去慢慢品味，而不是囫囵吞枣地浏览。
这本书最让我惊喜的是它对“感知”和“体验”的强调，它成功地打破了艺术评论中常见的过度依赖“历史语境”或“作者意图”的窠臼。作者仿佛在说，最终的意义，是在作品与观者遭遇的那一刻，由观者自己的生理反应和心智结构共同生成的，是活的、流动的、不可复制的。书中描述的几种关于“沉浸感”的案例分析尤其精彩，比如描述一种古老音乐的频率如何绕过理性判断，直接作用于身体的共振频率，引起一种近乎本能的敬畏感。这种对感官层面的细致描摹，让人读完后，会下意识地去重新审视自己最近一次观看艺术品的真实感受——我的呼吸节奏有没有变化？我的瞳孔有没有放大？我的皮肤有没有起鸡皮疙瘩？这种强烈的引导性，让阅读行为本身也变成了一种自我反思和身体性的探索，远超了一般的知识获取。
我必须承认，这本书在某些章节的论述上，对于一般读者而言，可能需要极大的耐心和多次重读。作者在构建其理论框架时，似乎毫不避讳地引用了一些晦涩的术语，并且在句子结构上偏爱使用复杂的从句和嵌套结构，这使得信息密度极高。有那么几页，我不得不放慢速度，甚至需要借助外部工具来梳理句子成分，才能勉强跟上其逻辑链条的完整性。然而，一旦跨越了这些技术性的障碍，你就会发现，这种严谨和复杂性并非故作高深，而是为了精确捕捉那些极其细微、难以言说的现象。那些看似绕弯子的表达，其实是在努力避免对本质的简化或扭曲。所以，尽管阅读过程略显吃力，但最终获得的洞察力是扎实且难以动摇的，它要求读者付出努力，但回报是思想深度的显著提升。
这本书的内容架构，呈现出一种螺旋上升的递进感，而不是简单的线性推进。开篇似乎在探讨一些宏观的历史脉络，但很快，笔锋就会收紧，聚焦到一个极其微小的艺术品，比如某位中世纪工匠无意中留下的一道刻痕，或者某种特定材料在特定光线下折射出的色彩变化。然后，作者会以这个微小的切口为支点，再次向外延展，将其置于更广阔的文化背景乃至人类生存状态的讨论之中。这种“从点到面，再由面回到点”的结构，让人感觉思维始终处于被激活的状态，不会因为长时间停留在某一单一论点上而感到疲惫。每一次的回归，都带着新的理解和更深的层次，仿佛你在攀登一座山峰，每到达一个平台，视野都会豁然开朗，同时也能更清晰地看到来时的路是如何蜿蜒曲折的。这种精妙的布局，足见作者深厚的学术功底和高超的组织能力。