中国高等师范院校理论作曲学会推荐用书：和声通用教程（第2卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

内容简介

《中国高等师范院校理论作曲学会推荐用书：和声通用教程（第2卷）》卷、章、节的内容力求精练，博采众长，一般都含有基本教材与补充教材双重构成的因素，同时，蕴有教法的内涵。执教者可根据本地区、本单位学生的实际水准相应灵活地进行处置，或选讲、略讲，或突出重点、难点。课堂练习与习题部分，亦应因地制宜、因材施教，或泛选、精选或侧重于写作，或侧重于分析。唯在第一卷第十五章之前，写作与分析适宜兼顾并重；尔后，前者的要求和比重可以逐渐减弱；后者的要求和比重则可逐渐增强。

内页插图

目录

序
第一章 副属和弦与副下属和弦3
一、副属和弦概述
二、副属和经纬度的导入与解决
三、离调
四、重属和弦的典型用法
课堂练习
习题
五、副下属和弦概述
六、重下属功能组
七、副下属和弦的应用
八、运用副下属和弦的作品实例
课堂练习
习题

第二章 同主音大小调交替
一、交替大-小调
课堂练习
二、交替小-大调
课堂练习
习题

第三章 远关系调转调
一、概述
二、相差两个变音号的两调的转调
三、相差三至六个变音号的各调的转调
习题

第四章 变和弦与等音转调
一、变和弦
（一）重属变和弦——增六和弦
课堂练习
（二）下属变和弦——那坡里六和弦
课堂练习
（三）属变增三和弦
课堂练习
二、等音转调
（一）减七和弦等音转调
课堂练习
（二）属七和弦与增五六和弦等音转调
课堂练习
（三）增三和弦等音转调
课堂练习
习题

第五章 转调模进
一、概述
二、常见的转调模进的移动途径
课堂练习
习题

第六章 中国民族调式和声
一、中国民族调式旋律的基本特点
（一）五声调式旋律的基本特点
课堂练习
（二）六、七声调式旋律的基本特点
课堂练习
（三）中国民族调式旋律的调性特点
课堂练习
习题
二、怎样为民族调式旋律配和声
（一）民族调式中的三度结构性和声
（二）偏音处理法
1.省略偏音法
2.正音代替偏音法
3.偏音支持法
4.偏音隐蔽法
5.偏音与和弦外音结合法
6.装饰性偏音法
7.五声性偏音法
8.复调织体法
（三）民族调式和声中的声部结合关系、和弦连接与终止式
习题
（四）民族调式中的五声纵合性和声
（五）五声性和弦的应用
（六）怎样应用五声性和弦为民族调式旋律配和声
（七）异调式和声配置
习题

第七章 合唱写作基础知识
第八章 近现代和声简介
〔附表一〕亨德米特：和弦分类表
〔附表二〕阿伦·福特：音级集合原型与涵量表
跋

好的，根据您的要求，我将为您撰写一本内容与《中国高等师范院校理论作曲学会推荐用书：和声通用教程（第2卷）》无关的、详细的图书简介。 --- 《声之彼岸：十九世纪浪漫主义音乐的色彩与结构》 内容概要： 本书深入探讨了十九世纪浪漫主义音乐的核心特征、技术演变及其在欧洲不同文化地域的实践差异。它并非一部单纯的作曲技巧手册，而是一部旨在引导读者理解、分析和欣赏这一音乐时期独特美学追求的导览书。全书聚焦于浪漫主义时期音乐语言的变革，从调性扩展、和声色彩的丰富化，到曲式结构的自由发展，以及管弦乐队配器法的革命性进步。 第一章：浪漫主义的诞生与精神内核 本章首先界定了浪漫主义音乐的时代背景，即从古典主义的理性、平衡向个体情感、主观体验的转向。我们考察了贝多芬晚期作品对这一变革的奠基作用，并剖析了“天才”、“民族性”和“无限性”等核心美学概念如何在音乐中得以体现。重点分析了舒伯特、舒曼等早期浪漫主义作曲家如何将文学和诗歌的意境融入器乐和歌曲创作之中，为后续的发展铺设了情感基调。 第二章：和声的“越界”：调性语言的扩张与模糊 相较于古典主义清晰的终止式和明确的调性中心，本章详细研究了浪漫主义作曲家如何系统性地拓展和声的边界。我们着重分析了以下几个方面： 半音化进行与和声色彩的丰富： 详细考察了增三和弦、减七和弦在远关系转调中的运用，以及它们如何创造出强烈的、瞬时的色彩变化。例如，对瓦格纳在《特里斯坦与伊索尔德》中著名的“特里斯坦和弦”的结构分析，揭示了功能和声如何被推向解体的边缘。 色彩和弦的应用： 探讨了九和弦、十一和弦乃至十三和弦在浪漫主义配器中的频繁使用，它们如何取代了传统的三和弦体系，成为构建特定情绪氛围的关键元素。 调性模糊化策略： 分析了作曲家如何通过快速的、非功能性的转调、隐藏的终止式以及利用模糊低音（如低音的进行而非根音的明确建立）来制造“永恒漂移”的听觉感受。 第三章：曲式与体裁的创新：从“小品”到“交响诗” 本章关注浪漫主义时期音乐形式上的解放。 “幻想性”体裁的兴起： 详细研究了幻想曲、即兴曲和夜曲等小型独奏乐器的作品，它们如何摆脱了奏鸣曲式的严格约束，以自由的、抒发性的结构来表达瞬间的情感波动。 叙事性器乐的典范——交响诗： 考察了李斯特开创的单乐章叙事性交响诗，分析了其“主导动机”的运用方法，以及如何通过音乐语言直接描绘文学或绘画内容，打破了纯音乐与程序音乐的界限。 奏鸣曲式的再诠释： 即便在大型交响曲中，作曲家也开始对其进行大胆的重构。通过对勃拉姆斯和德沃夏克的后期交响曲的分析，展示了他们如何在保持古典骨架的同时，用更丰富的动机发展和更复杂的乐章布局来服务于宏大的情感叙事。 第四章：管弦乐队的魔术师：配器法的革命 浪漫主义的音乐“色彩”不仅体现在和声上，更体现在音色的组合上。本章聚焦于管弦乐队的体量增长和音色潜力的挖掘。 新乐器的引入与传统乐器的拓展： 探讨了短号、低音单簧管、英国管以及打击组（如大锣、钟琴）在乐队中的常规化使用，以及这些新音色如何为音乐增添了戏剧性和异域情调。 复调织体与音响的层次： 深入分析了瓦格纳、马勒等巨匠如何利用庞大的乐队编制，创造出复杂的多层次织体，使乐队不再是简单的和声支持，而是成为一个具有独立表现力的“超级乐器”。对特定乐段的配器法进行细节剖析，展示了高低音区的有效划分和对木管声部的精妙交织。 第五章：民族主义的低语与异域的诱惑 十九世纪中后期，音乐中的“民族性”成为一股强大的潮流。本章将审视“民族乐派”的兴起，及其与德奥传统音乐的对话与冲突。 东欧的脉动： 研究了俄国五人组（如穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫）如何从民间音乐、史诗和东正教圣咏中汲取灵感，构建出区别于西方传统的音乐语汇。 中欧的田园牧歌： 考察了捷克作曲家德沃夏克和斯美塔那，如何将本土的民间旋律和节奏模式融入到宏大的交响作品中，展现了民族情感与普适艺术的结合。 异域情调的迷恋： 分析了部分作曲家（如威尔第、普契尼在歌剧中的某些片段，或德彪西对东方元素的早期探索）如何利用音阶（如五声音阶、全音阶）和模进调式来营造异国情调，体现了浪漫主义对未知世界的向往。 结论：通往二十世纪的桥梁 本书最后总结了浪漫主义音乐的遗产，强调了它在功能和声上的过度延伸是如何必然地导致了世纪末的调性危机，并直接催生了印象主义和表现主义等二十世纪初的音乐流派。本书旨在为严肃音乐爱好者、音乐史研究者以及深入探索古典音乐实践的学者，提供一个全面而细致的视角，去理解那段音乐史上最富激情与探索精神的时期。 --- 读者对象： 音乐学专业本科高年级及研究生。 有一定基础的音乐理论学习者。 希望深入理解浪漫主义时期音乐风格特征的演奏家和指挥家。 古典音乐爱好者和发烧友。 本书特色： 侧重于“风格分析”而非“技法训练”。 引用大量一手乐谱实例进行细致的乐汇分析。 语言力求学术严谨，同时保持叙事的流畅性与感染力。