具体描述
●【鸟翅展开时的画法】
●【各种鸟的动态】
●【麻雀迎春图】
●【石蒜花白头翁】
●【翠鸟红蓼】
●【飞燕柳树】
●【相思鸟和枫叶】
●【画眉柳树图】
●【黄鹂石榴图】
●【绶带寿桃图】
●【八哥红叶图】
●【喜鹊梅花图】
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内容简介
鸟的品种繁多，有着千姿百态的生态特征，生理习性等也各不相同。所以在画鸟时，首先要抓住它们的共性，找出不同的差异，熟悉、了解它们的主体结构，要做到从大处着眼、先画注目部位、再添局部，用笔轻松、浑厚，用色清丽、不落俗套。这样才能画出生动自然的鸟。《精编花鸟画技法十二讲(**0讲鸣禽攀禽留鸟)》介绍了鸣禽、攀禽、留鸟三种鸟类的绘画技法。本书由上海卢湾画院副院长梅若著。梅若 著作 梅若，本名周国华．斋名集羽楼。
1946年生于上海，自幼酷爱绘画，10岁时开始接受西洋绘画正规训练，12岁时经吴野洲先生启蒙开始学习中国画，16岁时又随潘君诺先生学习草虫，后改学江(寒汀)派花鸟，几可乱真。
数十年来笔耕不缀，花卉、翎毛、鱼虫、走兽无所不擅，无论巨幛、小品均能信手拈来，栩栩如生。无论工笔写意均能挥洒自如，创作题材包罗万象，而且造型生动笔墨精妙。尤其是满色彩满构图的生宣工笔更为瞩目，为海上认可之实力派画家。1985年被上海等
用户评价
《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，如同一扇通往更高艺术境界的大门，为我打开了全新的视野。在前面的章节中，作者已经细致地介绍了诸如兰竹、梅、松、菊等传统花鸟画题材的笔墨勾勒与色彩渲染。而第十讲的内容，则更侧重于将这些零散的技法融会贯通，并将其应用于更复杂的构图与意境的营造。我记得前面几讲中，作者花了大量篇幅讲解如何捕捉花卉的“神韵”，如何表现鸟儿的“动态”，如何用墨的“浓淡干湿”来区分物体，这些都为我打下了坚实的基础。例如，在描绘牡丹时，如何用笔点染出花瓣的丰腴与层次，如何用墨勾勒出花蕊的纤细与含蓄；在描绘麻雀时，如何用几笔简练的线条勾勒出它灵动的姿态，又如何通过眼睛的点睛之笔赋予其生命力。这些细致入微的讲解，让我不仅仅停留在“形似”的层面，更开始追求“神似”的境界。而第十讲，则将这些技法升华，开始探讨如何将不同的元素巧妙地组合在一起，形成一幅有故事、有情感的画作。它不再是孤立地描绘一朵花或一只鸟，而是将它们置于特定的环境中，通过巧妙的构图和虚实的对比，营造出一种宁静致远、生机勃勃或意趣盎然的氛围。我尤其喜欢作者在讲解构图时提到的“经营位置”的理念，它强调了画面空间的合理安排，如何通过留白来增强画面的呼吸感，如何通过前后景的虚实关系来突出主体。这些理论上的阐述，结合着书中大量的范例，让我对一幅完整的花鸟画作品有了更深刻的理解。第十讲的出现，恰好弥补了我之前在整体构图和画面意境营造上的不足，让我感觉自己的花鸟画创作水平得到了一个质的飞跃。
评分《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，对我而言，是一次从“术”到“道”的升华。在前面的九讲中，作者已经非常详尽地为我们梳理了花鸟画的各种技法，无论是勾勒、点染、皴擦，还是色彩的运用，都给予了极大的耐心和细致的指导。我至今仍记得，在学习描绘梅花时，作者如何运用“书法入画”的理念，用刚劲的线条勾勒出梅骨的铮铮风骨，再用淡墨点染出花瓣的素雅。在描绘小鸟时，作者则会强调如何捕捉其瞬间的神态，如何用寥寥数笔勾勒出其活泼灵动。这些基础的技法讲解，让我对花鸟画的创作有了初步的认识，也建立起了一定的信心。而第十讲，则将这些零散的技法，巧妙地整合起来，开始探讨如何将它们融汇贯通，创作出更具生命力和感染力的作品。它不再是孤立地讲解某一种技法，而是将目光聚焦于如何将不同的花卉、鸟禽、景物等元素，有机地组织起来，形成一幅和谐统一、意境深远的画面。我特别赞赏作者在这一讲中，对“构图”的强调，它不仅仅是元素的堆砌，更是画家思想的表达。作者通过大量的范例，向我们展示了如何运用“黄金分割”、“S形构图”、“三角形构图”等多种构图方式，来达到画面的均衡、稳定和富有动感。同时，作者还深入探讨了“留白”的艺术，以及如何通过虚实对比，来增强画面的纵深感和想象空间。第十讲的精髓，在于它教会了我如何将“技”与“道”相结合，如何在遵循技法规律的同时，融入自己的情感和思想，最终创作出具有个人风格和艺术感染力的作品。这让我对花鸟画的创作，有了更深层次的理解和追求。
评分《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，为我打开了一扇通往更高艺术境界的门。前面的九讲，作者已经为我们打下了坚实的基础，从笔墨的使转、色彩的晕染，到对各种花卉、禽鸟形态的细致描绘，都给予了极其详尽的指导。我印象最深刻的是，在讲解如何表现花瓣的质感时，作者会详细分解每一步的用笔用墨，例如，如何用“侧锋”来表现花瓣的卷曲，如何用“淡墨”勾勒边缘，如何用“点染”来表现花蕊的层次。对于鸟儿的羽毛，作者则会细致到如何通过线条的疏密和粗细来区分羽毛的质感和光泽，如何通过“勒”和“皴”的手法来表现身体的起伏。这些深入浅出的讲解，让我觉得花鸟画的创作原来可以如此有章可循，也建立起了我对创作的信心。而第十讲，则是在前九讲的基础上，将这些零散的技法，进一步地升华和整合。它不再是孤立地讲解某一种技法，而是将目光投向了如何将多种元素有机地组合，形成一幅完整而富有生命力的作品。我尤其赞赏作者在这一讲中，对于“构图”的讲解。它不仅仅是简单的元素堆砌，更是画家思想的表达。作者通过大量的范例，向我们展示了如何运用多种构图方式，例如，如何运用“黄金分割”、“S形构图”等，来达到画面的均衡、稳定和富有动感。同时，作者还深入探讨了“留白”的艺术，以及如何通过虚实对比，来增强画面的纵深感和想象空间。第十讲的精髓，在于它教会了我如何将“技”与“意”相结合，如何在遵循技法规律的同时，融入自己的情感和思想，最终创作出具有个人风格和艺术感染力的作品。这让我对花鸟画的创作，有了更深层次的理解和追求。
评分《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，为我打开了花鸟画创作的新篇章。在前九讲中，作者细致地剖析了各种花卉（如牡丹、荷花、梅花）和禽鸟（如燕子、鹤）的绘画技巧，从笔墨的干湿浓淡，到色彩的冷暖搭配，都给予了深入浅出的指导。我尤其受益于作者对“用笔”的讲解，无论是勾勒花瓣的柔美，还是描绘枝干的苍劲，都力求精确，并辅以大量的范例，让我得以模仿学习。同时，书中对历代名家作品的赏析，也让我对花鸟画的艺术内涵有了更深的理解，例如，对徐渭写意风格的解读，让我领略到笔墨的自由挥洒；对八大山人孤寂冷峻的风格的赏析，让我体会到意境的深远。而第十讲，则是在这些技法和理论的基础上，更进一步地提升到“整体构图”和“意境营造”的层面。它不再是零散的技巧堆砌，而是将各种元素巧妙地组合，形成一幅有生命力、有情感的作品。我非常赞赏作者在这一讲中，对“画面经营”的强调，它不仅是物体的摆放，更是画家情感的抒发和思想的表达。作者通过大量的范例，展示了如何通过“虚实相生”、“疏密有致”来营造画面的空间感和层次感，如何通过“色彩烘托”来渲染画面的主题和氛围。第十讲的内容，让我明白了花鸟画创作的最高境界，是将技法、情感、思想融为一体，创作出既具视觉美感，又富精神内涵的作品。这让我更加期待未来在花鸟画创作的道路上不断探索和进步。
评分初次翻阅《精编花鸟画技法十二讲》，尤其是在细细品味其中第十讲的篇章时，我仿佛置身于一个妙趣横生的艺术殿堂。这本书不仅仅是一本技法手册，更像是一位循循善诱的老师，将那些看似深奥难懂的花鸟画创作奥秘，抽丝剥茧地展现在读者面前。虽然今天我主要想分享的是对第十讲内容的感受，但前面九讲打下的基础，对于理解和吸收这一讲的内容至关重要。作者在前面的章节中，对笔墨的皴法、色彩的搭配、构图的要领等进行了详尽的阐述，每一个步骤都力求精确，每一个讲解都饱含匠心。比如，在描绘不同花卉的叶片时，如何运用干湿浓淡的墨法来表现其层次感和生命力；在勾勒鸟类羽毛时，如何通过线条的粗细变化来塑造其光泽和质感；在布置画面时，如何通过留白与实景的 interplay 来营造意境和空间感。这些基础性的讲解，为我们理解第十讲中更具挑战性的技法奠定了坚实的基础。我尤其对作者在讲解过程中穿插的古代名家画作的分析印象深刻，那些传世之作在作者的细致解读下，仿佛重新焕发了生命，让我们得以窥见大师们是如何将自然之美融入笔墨，又如何通过画面传达出深邃的哲学思考。这种理论与实践相结合，古今相辉映的学习方式，极大地激发了我对花鸟画的热情和探索欲。我常常在阅读时，脑海中会浮现出作者所描绘的场景，仿佛亲手在纸上挥洒，感受着笔尖与宣纸的对话，墨色与色彩的交融。第十讲的到来，更让我对花鸟画的创作充满了期待，我知道，前方还有更精彩的内容等待着我去发掘。
评分《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，对我而言，是整个学习过程中的一个重要里程碑。回溯前面的九讲，作者为我们铺垫了扎实的基础，从笔墨的运使到色彩的调和，再到对不同物象（如花卉、翎毛、枝干）的形态特征和神韵捕捉，都进行了细致入微的讲解。我印象最深刻的是，在前几讲中，作者是如何将枯燥的笔墨技巧，通过生动的比喻和形象的描述，变得易于理解和掌握。例如，讲解“飞白”时，作者将其比作“风吹云散”，讲解“积墨”时，则形容其“厚重如山”。这种寓教于乐的方式，极大地提升了我学习的兴趣。同时，书中对历代名家作品的解析，也让我受益匪浅，通过对这些经典作品的赏析，我得以领略到不同时代、不同风格的花鸟画艺术魅力，并从中汲取灵感。而第十讲，则是在前九讲的基础上，进一步深化和拓展。它不再局限于单个物体的描绘，而是将目光投向了如何将多种元素有机地组合，形成一幅完整而富有生命力的作品。作者在这一讲中，着重探讨了构图的布局、意境的营造以及画面的节奏感。我特别赞赏作者在讲解构图时，强调“计白当计黑，宁小勿大”的原则，以及如何运用“移步换景”和“虚实相生”的手法，来增强画面的空间感和层次感。同时，作者还分享了如何通过色彩的搭配，来烘托画面的主题，营造出不同的情感氛围，例如，如何用淡雅的色彩来表现春日的柔美，如何用浓郁的色彩来彰显秋日的丰硕。第十讲的内容，让我对花鸟画的创作有了更全面的认识，它不再是一堆零散的技法堆砌，而是一门需要整体把握、意境营造的艺术。这让我更加期待后续的章节，希望能进一步探索花鸟画的无限可能。
评分《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，如同一场艺术的升华，将我从技法的细节中引向了整体的意境。前面的九讲，作者就像一位循循善诱的老师，为我们详细讲解了花鸟画的各种基础技法，无论是用笔的力度、墨色的浓淡、还是色彩的搭配，都给予了极其细致的指导。我清楚地记得，在学习描绘鸟的翅膀时，作者会分解成几步，用不同的笔触来表现羽毛的层次和光泽，并强调要捕捉鸟儿飞翔时的动态感。对于花朵的绘制，作者则会从花蕊、花瓣到花萼，一步步地讲解，并细致到如何通过墨色的晕染来表现花瓣的透明感和水分。这些细致入微的讲解，让我觉得花鸟画的学习原来可以如此系统而有条理。而第十讲，则将这些分散的技法，串联起来，开始探讨如何将它们融会贯通，创作出更具生命力和感染力的作品。它不再是孤立地讲解某一种技法，而是将目光投向了如何将多种元素有机地组合，形成一幅完整而富有生命力的作品。我尤其赞赏作者在这一讲中，对于“构图”的讲解。它不仅仅是元素的堆砌，更是画家思想的表达。作者通过大量的范例，向我们展示了如何运用多种构图方式，例如，如何运用“黄金分割”、“S形构图”等，来达到画面的均衡、稳定和富有动感。同时，作者还深入探讨了“留白”的艺术，以及如何通过虚实对比，来增强画面的纵深感和想象空间。第十讲的精髓，在于它教会了我如何将“技”与“道”相结合，如何在遵循技法规律的同时，融入自己的情感和思想，最终创作出具有个人风格和艺术感染力的作品。这让我对花鸟画的创作，有了更深层次的理解和追求。
评分《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，宛如一次精妙的实战演练，将我前九讲所学融会贯通。作者在前面的章节中，可谓是倾囊相授，从最基础的笔墨运用，到对不同花卉（如牡丹的富贵、荷花的清雅、梅花的傲骨）以及鸟禽（如燕子的灵巧、鹤的仙姿）的形态特征和神韵捕捉，都进行了极其细致的讲解。我犹记得，在学习描绘竹叶时，作者反复强调“中锋用笔”，并用“雨滴”和“卧钩”等形象的比喻来帮助我们理解笔法的变化；在学习塑造花瓣的层次感时，作者则示范了如何运用“干湿浓淡”的墨法，通过层层叠加，来表现花瓣的透明感和体积感。这些细致入微的指导，让我觉得即使是初学者，也能循序渐进地掌握花鸟画的精髓。而第十讲，则更侧重于将这些分散的技法，提升到“创作”的高度。它不再是简单的“怎么画”，而是“如何将画得好”。作者在这一讲中，重点探讨了“构图的经营”和“画面的整体感”。我尤其喜欢作者在讲解构图时，提出的“主次分明，虚实相生”的原则。它让我明白，一幅好的花鸟画，不仅仅是描绘出美丽的景物，更重要的是如何将这些景物巧妙地组织起来，形成一个有生命力的整体。通过大量的范例，作者展示了如何通过不同的构图方式，来营造出不同的画面氛围，例如，如何通过“远近虚实”来表现空间的深度，如何通过“疏密有致”来达到画面的节奏感。第十讲的精髓，在于它将理论升华为实践，让我真正体会到，花鸟画创作不仅仅是技巧的堆砌，更是一门需要画家用整体的眼光去审视和把握的艺术。这让我对自己的花鸟画创作，有了更明确的方向和更高的目标。
评分《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，是我在学习过程中的一次顿悟。前面九讲，作者已经为我们搭建了一个坚实的知识体系，从基础的笔墨功底，到对花卉、鸟雀等具体形象的刻画，都进行了详尽的指导。我记得在讲解绘制花瓣时，作者会详细分解每一步的用笔用墨，比如如何用“侧锋”来表现花瓣的卷曲，如何用“淡墨”来勾勒花瓣的边缘，如何用“点染”来表现花蕊的层次。对于翎毛的描绘，则会细致到如何通过线条的疏密和粗细来区分羽毛的质感和光泽，如何通过“勒”和“皴”的手法来表现鸟儿身体的起伏。这些细致入微的讲解，让我觉得花鸟画的创作原来可以如此有章可循。同时，作者还在前面的章节中，穿插了对历代大师作品的深入剖析，例如，对徐渭的写意风格的解读，对八大山人的孤傲气韵的赏析，以及对齐白石的朴拙生趣的领悟。这些赏析让我不仅仅停留在技法的层面，更能开始理解花鸟画所蕴含的文化内涵和艺术精神。而第十讲，则将这些散落的珍珠串联起来，重点在于如何将我们前面所学的各项技法，巧妙地运用到一幅完整的作品中。它不再是单打独斗，而是强调元素的组合与协调，以及如何通过整体的构图来传达画家的情感和思想。我尤其欣赏作者在这一讲中，对于“意境”的强调，它不仅仅是画面的呈现，更是画家内心世界的表达。如何通过笔墨的虚实、色彩的浓淡、线条的刚柔，来营造出一种“言有尽而意无穷”的画面效果，这是第十讲给我带来的最深刻的启发。它让我明白，一幅好的花鸟画，不仅仅在于技巧的精湛，更在于其所传达出的深邃的意境和动人的情感。
评分《精编花鸟画技法十二讲》的第十讲，对我而言，是一次从“形”到“神”的质变。前面九讲，作者为我们悉心铺就了花鸟画技法的基石，从最基础的笔墨运使，到对各种花卉、鸟禽的形态特征和神韵的刻画，都进行了极其细致的讲解。我记得在学习描绘竹叶时，作者反复强调“中锋用笔”，并用“雨滴”和“卧钩”等形象的比喻来帮助我们理解笔法的变化；在学习塑造花瓣的层次感时，作者则示范了如何运用“干湿浓淡”的墨法，通过层层叠加，来表现花瓣的透明感和体积感。这些细致入微的讲解，让我觉得花鸟画的创作原来可以如此有章可循，也建立起了我对创作的信心。而第十讲，则是在这些扎实的基础之上，进一步地深化和拓展。它不再局限于单个物体的描绘，而是将目光投向了如何将多种元素有机地组合，形成一幅完整而富有生命力的作品。我尤其欣赏作者在这一讲中，对于“意境”的强调，它不仅仅是画面的呈现，更是画家内心世界的表达。如何通过笔墨的虚实、色彩的浓淡、线条的刚柔，来营造出一种“言有尽而意无穷”的画面效果，这是第十讲给我带来的最深刻的启发。它让我明白，一幅好的花鸟画，不仅仅在于技巧的精湛，更在于其所传达出的深邃的意境和动人的情感。第十讲的内容，让我对花鸟画的创作有了更全面的认识，它不再是一堆零散的技法堆砌，而是一门需要整体把握、意境营造的艺术。
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