具体描述
● 收藏与展览的考古学
● "收藏"的观念 /25
●一 什么是"收藏"？ /26
●二 收藏什么？ /31
●三 为什么收藏？ /42
●第二章 从mouseion 到奇珍室：博物馆收藏的起源 /51
●一 亚历山大里亚缪斯神庙的真相 /52
●二 "奇珍室"：藏品的博物馆 /58
●第三章 佛罗伦萨乌菲奇画廊与艺术博物馆的生成 /69
●一 乌菲奇之前的古代艺术品收藏 /72
●二 乌菲奇之前的当代艺术品收藏 /77
●三 乌菲奇之前的美第奇家族收藏 /79
●四 瓦萨里：历史、艺术与机构 /86
●五 乌菲奇的综合 /98
●第四章 美术学院陈列馆与沙龙：博物馆的展览制度 /103
●一 佛罗伦萨设计学院开启先河 /104
●二 法国王家绘画与雕塑学院的收藏制度 /106
●三 法国王家绘画与雕塑学院的展览制度 /110
●四 沙龙的"制度创新" /115
●部分目录
内容简介
什么是博物馆？什么是艺术史？什么是可视的艺术史？什么是图像和图像的自主性？图像在表现内容的同时，又如何表现自己？
《可视的艺术史：从教堂到博物馆》以作者在欧洲研究和工作期间实地考察、采集的大量**手资料为基础，尝试以跨媒介艺术史的视野、细腻的图像分析和充分的个案讨论，穿越历史迷雾，在现代博物馆体制、现代艺术史叙事与前现代的教堂体制和空间布局之间，建构起鲜为人知的因果联系。 李军 著 著作 李军，中央美术学院教授，人文学院副院长，1987年毕业于北京大学。1996—1997、2002—2004年、2011—2012年和2013年，分别在巴黎靠前艺术城、法国国家遗产学院、巴黎**大学、哈佛大学本部和哈佛大学佛罗伦萨文艺复兴研究中心，从事文化遗产和跨文化、跨媒介艺术史研究。2014年任意大利博洛尼亚大学客座教授。
代表作品：专著《希腊艺术与希腊精神》 《穿越理论与历史——李军自选集》；译著《宗教艺术论》 《拉斐尔的异象灵见》；主编“眼睛与心灵：艺术史新视野译丛”（北京大学出版社）。
用户评价
这本书的叙事手法极其流畅且富有感染力，完全没有传统艺术史书籍那种高高在上的学术腔调。读起来的感觉，更像是一位学识渊博却又极其风趣幽默的朋友，带着你穿越时空，漫步在人类文明的艺术长廊中。作者的文字功底非常扎实，但又不失亲切感，他总能找到一个非常恰当的角度来切入一个艺术家的生平和创作背景。比如，在描述巴洛克艺术的戏剧性和情感张力时，文字描述的场景感极强，让你仿佛能听到音乐的激昂和雕塑人物的低语。更让我赞叹的是，它并没有局限于西方主流艺术，而是非常审慎地将全球范围内的艺术形式纳入考量，让读者的视野一下子开阔了许多。阅读过程中，我时不时会停下来，拿出手机去搜索书中提到的某个冷门但极具启发性的文化背景资料，这表明作者成功地激起了我的求知欲，让我从被动的接受者，变成了主动的探索者。这种“引导式”的学习体验，是我在其他同类书籍中很少找到的。这本书不仅仅是知识的传递，更是一种对艺术灵魂的对话。
最让我惊喜的一点是，这本书的选材非常注重“广度与深度”的平衡。它既没有忽略那些耳熟能详的大师杰作，同时也发掘和介绍了许多在主流艺术史叙事中容易被遗漏的边缘艺术或地方性艺术实践。这让整个阅读体验变得丰富而不单调。比如，书中对某些非西方古代文明的装饰艺术的介绍，其文字的精炼和配图的冲击力，丝毫不亚于对达芬奇作品的分析。这种包容性和全球视野，极大地提升了这本书的价值。它不是一份高高在上的“定论”，而更像是一份邀请函，邀请读者一同探索艺术世界中那些未被充分发掘的宝藏。读完之后，我不再满足于在博物馆里走马观花地看画，而是开始带着更深层次的问题去观看——这些作品是如何诞生的？它想对同时代的人说什么？这种由内而外的求知欲，是任何一本平庸的艺术史读物都无法给予的。
说实话，我之前对很多艺术流派的理解都停留在表面的标签上，比如“印象派就是模糊的光影”、“立体派就是把东西切碎了重组”。然而，这本厚重的作品，真正教会了我如何“解构”艺术。它深入到技术层面，但又用极其易懂的方式来阐释那些复杂的技法演变。比如，关于油画颜料的改良如何直接影响了文艺复兴后期色彩的饱和度，或者透视法从早期尝试到成熟运用的每一个关键节点，书中都有详尽的分析，而且配图精准到位，将技术与美学成果紧密联系起来。这种对细节的把控，显示出作者极高的专业素养和匠人精神。我特别喜欢其中关于材料学的探讨，它让我意识到，艺术的发展从来都不是孤立的，它深深植根于当时的材料科学、社会经济结构乃至哲学思潮之中。读完某个章节，我甚至能更理性地去评价一幅画作的“成功”之处，不再仅仅凭感觉，而是能从技术实现和时代语境两个维度去审视它。
这本书的结构设计堪称精妙，它似乎有意避开了那种严格的线性时间轴叙事，而是采用了一种更具启发性的“主题式串联”。一章可能从古希腊的雕塑讲起，但下一章可能就会跳跃到19世纪的浪漫主义绘画，但两者之间却通过某种共通的“人体表达”或“理想化”的主题被巧妙地联系起来。这种非线性的叙事方式，极大地避免了阅读疲劳，也更容易让人建立起跨越时代的艺术关联性思维。它让我意识到，那些看似毫不相干的艺术作品，其实都在回应着人类永恒不变的某些核心命题。这种“网状”的知识结构，对我来说比那种“A-B-C”的年代顺序更有助于记忆和理解。而且，书中对于不同文化背景下“美”的定义的探讨，也极其富有思辨性，它挑战了我们固有的一些审美观念，促使我们反思，什么是艺术，谁来定义艺术。
这本书，怎么说呢，简直是艺术史学习的一场视觉盛宴。我原本以为艺术史这种东西，无非就是年代、流派、人名、作品的堆砌，读起来枯燥乏味，估计又要靠咖啡因硬撑着熬过去。可这本书完全颠覆了我的想象。它不像那种教科书，密密麻麻的文字看得我头晕眼花，而是真正做到了“将艺术史可视化”。翻开任何一页，首先映入眼帘的就是那些高清、色彩饱满的画作复制品，感觉就像是把卢浮宫、大英博物馆直接搬到了我的书桌上。而且，作者在排版上下了极大的功夫，图文的结合简直是天作之合。他们没有简单地把图片塞在文字旁边，而是通过信息图表、时间轴的梳理，将复杂的艺术演变脉络清晰地呈现出来。比如，当讲到文艺复兴如何从哥特式艺术中挣脱出来时，书中会用对比图的形式，并肩展示两者的风格差异，那种“原来如此”的顿悟感，远胜于干巴巴的文字描述。对于我这种视觉型学习者来说，这本书简直是救星。它让我不再是“记住”艺术史，而是真正“看懂”了艺术史的演变轨迹。我甚至会花好长时间对着某一幅画的细节图研究，因为排版和注释，让我能更深入地理解当时画家的笔触和构图的深意。